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Entre 1980 y 1983 estudió en la New England School of Photography de la ciudad de Boston, además de asistir a talleres dictados por Joel Meyerowitz y un seminario con John Szarkowsky, que habrían de ser fundamentales en el desarrollo de su estética. De regreso en Buenos Aires, presentó su primera muestra individual 1991. Becario del Fondo Nacional de las Artes en 1993, a partir de entonces divide su actividad como artista, curador y docente. En 1995 crea y dirige la fotogalería del C.C.Rojas (Universidad de Buenos Aires) donde exponen los principales referentes de la nueva fotografía argentina. Ha sido el curador de la muestra “Vida Real” para el ciclo Contemporánea del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) en febrero de 2005. Su obra forma parte de las colecciones de Fotografía Contemporánea del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, del Museo Nacional de Bellas Artes con curaduría de Sara Facio, Museo Nacional Castagnino (Rosario), Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), además de diversas colecciones privadas de Latinoamérica, Alemania y Francia.
Alejandro Lipszyc nació en 1971 en San Martín, Provincia de Buenos Aires. Estudio ciencias de la comunicación en la U.B.A, fotografía con Juan Travnik y Alberto Goldenstein. Artes visuales con Nora Dobarro y Pablo Suarez. Desde 1996 trabaja como fotógrafo independiente para diferentes publicaciones, instituciones y empresas. Sus fotografías han sido publicadas en medios gráficos de Argentina, Chile, Uruguay, Colombia, Suiza, España, Dinamarca y Francia. Ha realizado seis exposiciones individuales y participado de varias muestras colectivas. Su obra forma parte de distintas colecciones privadas. Vive y trabaja en Buenos Aires. Es hincha de Chacarita Juniors.
Nació en Buenos Aires en 1971. Etcétera. Quisiera que fuera suficiente. Que al espectador le alcanzase con saber cuándo nací -para que pudiera inscribirme en una generación- y se dedicara a ver mi trabajo sin mayores prejuicios. Descreo de los currículum formales. Si su función es la de legitimar la obra del artista entonces equivoca el camino, porque lo estudiado –al menos en mi caso- poco tiene que ver con lo aprendido; y una acumulación de premios y exposiciones tampoco es garantía de calidad. La única legitimación posible es la propia obra. Ahora, si la intención del currículum es dar cuenta de la formación estética y sensible del artista, algo se puede decir. Recuerdo como un momento fundacional el descubrimiento, a la edad de cuatro años, de dos discos: Rubber Soul, de los Beatles, y Vinicius en La Fusa. Allí puedo identificar el comienzo de la formación del gusto y la dirección de la búsqueda. El resto son los hallazgos, mayormente ligados a lo musical, que me han creado la necesidad de contar una historia que hoy encuentra su traducción en un lenguaje visual. Porque uno se reproduce a sí mismo en cada acto que realiza: hago fotos como toco la guitarra o amaso el pan. De esos hallazgos rescato los preludios de Bach que tocaba mi madre en el piano todos los días de mi infancia, la guitarra de Juan Falú, los cuadros de Bruegel, los trabajos de David Hockney, las fotos de Sarah Moon, las películas de Tarkovsky y de Goddard, las novelas de Cortázar y de Daniel Moyano. Del compartir con gente afín surge el conocimiento y la posibilidad de encontrarse con aquello que a uno le corresponde. Allí reconozco mis mayores influencias y mi mejor aprendizaje.
Nació en Buenos Aires, Argentina, en 1967. Arquitecto por la Universidad de Buenos Aires (UBA), cursó estudios y seminarios en Fotografía, Dibujo y Estética. Desde 1991, dirige el Taller de Fotografía de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la UBA. Es Profesor Titular en la Escuela de Comunicación Multimedial de la Universidad Maimónides y Docente del área de Fotografía en el Centro Cultural Ricardo Rojas. Por su obra, obtuvo los siguientes reconocimientos: Mención del Jurado. Premio Platt de Artes Visuales. Galería Isidro Miranda, Buenos Aires, 2008; Premio "Ignacio Pirovano" al artista joven del año, otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte, Buenos Aires, 2006; Gran Premio Adquisición en Nuevos Soportes e Instalaciones, Salón Nacional de Artes Visuales, Palais de Glace, Buenos Aires, 2004; Primer Premio. Primer Premio de Artes Visuales de la Asociación Argentina de Galerías de Arte. Centro Cultural Borges, Buenos Aires, 2003; Primer Premio en Nuevos Soportes e Instalaciones, Salón Nacional de Artes Visuales, Palais de Glace, Buenos Aires, 2002; Subsidio a la Creación Artística. Instalaciones. Fundación Antorchas, Buenos Aires, 2002; Beca a la Creación Audiovisual. Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, 2002; Beca Guillermo Kuitca para Artistas Jóvenes, 1997/1998. Realizó las siguientes exposiciones individuales: Apunte. Pinta Art Fair, New York, 2008; Zero Dollar@Local Project. Local Project, New York, 2008; Photography / videoinstallation. Praxis International Art. Miami, 2007; Fotografías / videoinstalaciones. Praxis International Art. Buenos Aires, 2006; Apunte. MAMbA, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 2005; Anamorfías. Universidad Nacional de Rosario, Rosario, 2005; C.B.A. Festival de la Luz. Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, 2004; Anamorfías. Teatro Auditórium – Centro de las Artes, Mar del Plata, 2002; Anamorfías. Fotogalería del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas, Buenos Aires, 2001; San Telmo a Estudio Abierto. Instalación Urbana, Buenos Aires, 2000; El Seto al Fondo del Jardín. Instalación. Galería Gara, Buenos Aires, 2000.
Bruno Dubner es fotógrafo. Nace en Buenos Aires en 1978. Se formó en filosofía con Luis Jalfen. Estudió fotografía en el Centro Cultural Recoleta, con Adrián Rocha Novoa y en la Escuela de Fotografía Creativa. Realizó talleres con Juan Travnik , el seminario “Solocolor” con Karina Peisajovich y el Programa de Tutorías del Centro Cultural Ricardo Rojas. Exhibe sus trabajos desde el año 2001 y las principales exhibiciones las realizó en 2009, Testimonio de un contacto, VVV Gallery; 2008, Indice negro, FotoGalería del Teatro San Martin; 2007, Vigilia, en VVV Gallery y 2006, Vigilia, en la FotoGalería del Centro Cultural Ricardo Rojas. Recibió los siguientes reconocimientos: 2009, Sexta edición del Premio Petrobrás (Junto a Rodrigo Moreno). 2008, Premio Klemm (selección), Premio Deloitte (selección) y Premio Platt (selección). 2006 Premio Platt, mención. 2005 Salón Nacional de Artes Visuales, Primer Premio Adquisición. 2003, 2004 y 2006, Salón Nacional de Artes Visuales (selección).
Realiza proyectos diversos de características intimistas y hogareñas. Instalaciones y documentaciones de video, fotografía y audio. Trabaja en forma conjunta con Claudia del Río en un dueto denominado Trulalalá. Dirige Marasca Trip Gallery. Es asesor externo de Museo Castagnino+macro desde el año 2005 y director Ejecutivo del miso durante el año 2008. Ha realizado numerosas muestras individuales y colectivas en argentina y en otros países desde el año 2000. Sus obras forman parte de colecciones privadas y de museos nacionales e internacionales. Elogio del gesto idiota Carlos Fernando Herrera se pregunta si lo que hace es arte, siempre lo hace, y a pesar de todo sigue haciéndolo. Al menos sabe que el arte es inútil y que lo que él hace también. Autodefinido como somnoliento y divertido, su mundo es el de la vida ordinaria, el de las personas comunes y el de los objetos vulgares, que no se cansa de analizar. Con ellos comparte horas hasta que en un momento decide intervenirlos con un gesto idiota. Su acción es elemental, hay algo que lo sorprende o lo seduce y actúa sin ningún tipo de razón. El disparador puede ser una cosa o un hecho mínimo, la combinación absurda de dos elementos -y no justamente sobre una mesa de disección-, una escena, un error, algo excepcional o lo mismo que se repite siempre. Y se ríe, horas, cuando tiene una ocurrencia, y sin embargo el humor siempre tiene un transfondo negro, aunque él vuelve a reir con otra ocurrencia. Y no para. Recorre la ciudad mirando detenidamente, sabe de los personajes más curiosos, de los objetos más extraños, aquellos que sin embargo, por algún motivo, suelen pasar inadvertidos, tal vez porque no están legitimados dentro del rubro “merecimiento de atención” o rozan el mal gusto que los torna inconcebibles en el registro de “deseables”. Frecuenta a fabricantes de disfraces artesanales, gitanos, ex combatientes... Conoce sus nombres, sus historias, detalles ínfimos, que carecen de importancia para la Humanidad. No sé por qué me interesa que me cuente todo eso y hasta promuevo que lo haga; insisto: no tienen ninguna importancia. Porque para qué sirve conocer la colección de juguetes antiguos de Chola o ser asiduo concurrente del "Bar el paso del tiempo" para experiementar los encuentros de poesía, música y arte llamados "maldita ginebra". Desde algún lugar se lo podría clasificar simplemente como un obsesivo coleccionista de objetos e historias, la mayoría mínimas, insignificantes. Reúne fotos de gente que no conoce –que compra en negocios de ocasión-, animales embalsamados, cerámicas de dos pesos y negocia con los tobas la producción de artesanías con forma de animales que le interesan (y que la mayor parte de las veces no suele lograr que hagan). Por un impulso, a veces, dibuja sobre las imágenes, les pone luces o las borra para terminar con los recuerdos, tapa con arcilla parte de los objetos o edita relatos de talk shows de la televisión. Idea cosas, permanentemente, pero no construye a la “manera” artística. Esa es la obra. Y disfruta mucho. Y sigue. No puede detenerse. Continúa estableciendo diálogos inservibles entre cosas de baja categoría, relacionando historias personales con los objetos, haciendo memoria y olvidando. Nadie puede prever cómo continuará pero se sabe que es inevitable, que nuevos disparadores lo llevarán a hacer más cosas inservibles: proyectos para su colección privada que apilará en alguna repisa o para la Tate Modern. El mismo se ve como viviendo en una película de clase B, y confronta su producción con los espectadores, pero es inútil, siempre es inútil lo que hace. No hay juego aunque se divierta, no hay “mensaje” político aunque muestre algún drama. Para colmo, insiste en sonreir. Acaso, con el placer del fracaso. Y se mueve con la liviandad del perdedor. Pero debo reconocer que el gesto idiota es impugnador de muchos gestos inteligentes, comprometidos, sabios. Su obra se construye sobre la falta de pretensión y desde allí corroe la aparatosidad de otros discursos. Sin embargo, hay algo fascinante en esta combinación de derrota, de posibilidad de seguir sonriendo y de tranquilidad de hacer algo que no modificará nada. En ese lugar, la obra de Herrera se vuelve bella, atractiva, curiosa, interesante y ratifica su inutilidad. Genera incertidumbre y preguntas, que por supuesto él está imposibilitado de responder, aunque conozca todas las pistas. Y se vuelve arte, siempre y cuando el arte sea todo eso. Fernando Farina
Diego Levy nació en Buenos Aires en 1973 y se dedica profesionalmente a la fotografía desde 1991. En 2001 fue distinguido con el primer premio del Concurso Nuevo Periodismo, otorgado por la Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano, presidida por Gabriel García Márquez. En 2003 fue consagrado finalista del concurso anual Fondo Internacional de Fotografía Documental otorgado a proyectos de relevante contenido social por la organización FiftyCrows con sede en San Francisco, California. Durante 2003 y 2004 se desempeñó en el cargo de Editor Jefe de Fotografía de la revista TXT. En 2005 y 2007 recibió becas del Fondo de Cultura BA. En 2008 fue distinguido con el Gran Premio Adquisición del Salón Nacional de Artes Visuales. Es autor del libro Sangre, publicado en 2006. Desde 2006 es representado por la Agencia VU de Francia. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Eduardo Carrera (Buenos Aires, 1966) trabaja con fotografía directa, textos, imágenes intervenidas o desviadas y en ocasiones con objetos y recursos escenográficos. En forma individual, expuso sus trabajos Ceremonia (2002, Facultad de Ciencias Sociales de la UBA), Verano Porteño 01-02 y Carrousel (Fotogalería del Teatro General San Martín, 2003) y Museo del Amor (Espacio Ecléctico en 2004, Centro Cultural La Máscara, 2005, y Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo, UBA, en 2007). En 2003, presentó el libro de artista Salud, que se publicó en 2007 integrado a la edición de la revista de arte Dulce Equis Negra. En 2006, recibió el Gran Premio del Salón Nacional de Fotografía por su obra El bañista. En 2007, concluyó el ensayo de textos y fotos Punta del Este. En 2009, obtiene el premio La Cultura del Agua, de la Secretaría de Cultura de la Nación. En la actualidad, produce nuevas imágenes y trabaja en un artefacto electromecánico bautizado Girograf. Empezó a hacer fotos a principios de los años 90 en Madrid y, desde entonces, ha realizado distintos estudios relacionados con la fotografía y el arte. En 2003, fue becado por Marcos López para asistir a su taller, en 2006 asistió al Taller de Clínica de Obra de Fabiana Barreda. Ha participado en numerosas exposiciones y eventos de arte colectivos. Ha trabajado como redactor y fotógrafo para medios de España y de Argentina. Ha escrito relatos breves y guiones de historietas. Pasó la adolescencia en el Chaco, donde realizó tareas rurales y completó el secundario. De regreso en Buenos Aires, vivió de trabajos varios y una beca le permitió cursar la Tecnicatura Universitaria en Periodismo de la UCA, donde se diplomó en 1987. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Eduardo Gil nació en Buenos Aires, Argentina, ciudad en la que vive y trabaja actualmente. Ha expuesto individualmente en Latinoamérica, Europa, Estados Unidos y Australia. Su obra se incluye en las principales antologías de fotografía argentina y latinoamericana contemporánea. Integra colecciones como las de los Museos de Bellas Artes y de Arte Moderno de Buenos Aires, Museum of Fine Arts de Houston, Brooklyn Museum de Nueva York, Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Museo de Bellas Artes de Caracas, Museo Castagnino + macro de Rosario, Bibliothèque nationale de France, Centro de la Imagen de México, Casa de las Américas de la Habana, IVAM Institut Valencià d’Art Modern, Bert Hartkamp collection de Amsterdam, International Center for Photography de Nueva York, ademas de colecciones particulares. Simultaneamente desarrolla una intensa actividad curatorial. En 2004 recibió el Premio a la Trayectoria Docente otorgado por las Asociaciones Argentina e Internacional de Críticos de Arte.
Eduardo Gil nació en Buenos Aires, Argentina, ciudad en la que vive y trabaja actualmente. Ha expuesto individualmente en Latinoamérica, Europa, Estados Unidos y Australia. Su obra se incluye en las principales antologías de fotografía argentina y latinoamericana contemporánea. Integra colecciones como las de los Museos de Bellas Artes y de Arte Moderno de Buenos Aires, Museum of Fine Arts de Houston, Brooklyn Museum de Nueva York, Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Museo de Bellas Artes de Caracas, Museo Castagnino + macro de Rosario, Bibliothèque nationale de France, Centro de la Imagen de México, Casa de las Américas de la Habana, IVAM Institut Valencià d’Art Modern, Bert Hartkamp collection de Amsterdam, International Center for Photography de Nueva York, ademas de colecciones particulares. Simultaneamente desarrolla una intensa actividad curatorial. En 2004 recibió el Premio a la Trayectoria Docente otorgado por las Asociaciones Argentina e Internacional de Críticos de Arte.
Esteban Pastorino (1972, Buenos Aires, Argentina). Estudio Ingeniería Mecánica en la Universidad de Buenos Aires. Realizó residencias en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten (Amsterdam) y en Casa de Velázquez (Madrid), entre otras. Participó del Programa MAP Pépinières européennes pour jeunes artistes (Grecia 2002, Austria, 2003). Recibió el Premio del Fotógrafo del año 2001 (AACA), Premio Leonardo a la Fotografía (2001 MNBA), Beca Antorchas (2004) y UNESCO (2005). Ha expuesto en forma individual en distintos países de América y Europa. Sus obras se encuentran en las colecciones del Museum of Fine Arts (Houston); el Museo del Barrio (New York); Santa Bárbara Museum of Arts (USA); Kiyosato Museum of Photographic Arts (Japón); Museum of Fine Arts (Boston); Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; entre otras.
Nació en La Plata en 1966. Egresó de la Facultad de Bellas Artes (UNLP) en 1995. En 1999 obtuvo un subsidio de la Fundación Antorchas para realizar un ensayo sobre santuarios populares. Al siguiente año, su proyecto “Mentiras blancas” fue finalista en el concurso de la Fundación Antorchas para una Residencia en la Rijksakademie van beeldende kunsten (Amsterdam). Ha recibido, entre otros, el 2° Premio de la Bienal de Fotografía de ArtexArte, el 2° Premio VI Salón Fundación Klemm 2002 y el 1° Premio Cultural Chandon Córdoba 2004. Ha expuesto individualmente (selección), en la Casa Curutchet de La Plata, en el Museo Caraffa (Córdoba), en el Museo Guamán Poma (Concepción del Uruguay) en el Centro Cultural Ricardo Rojas; en la Galería Tono Rojo de Buenos Aires y en el Pop Hotel Boquitas. Sus trabajos han sido exhibidos en el Museo de Bellas Artes de la Provincia de Buenos Aires, MACLA, Galería Sudaca, Palacio San José (Entre Ríos), ARTEBA, Fundación Klemm, Fundación OSDE, Salón Nacional de Artes Visuales, Museo de las Américas (Denver, USA), Praxis International Art (Miami y New York). Su obra forma parte de colecciones de Museo Caraffa, Museo de Bellas Artes de la Provincia de Buenos Aires, Museo de Dibujo y Grabado Guamán Poma de Concepción del Uruguay, Museo de las Américas (USA), Fundación Federico Klemm, Casa de las Américas, y colecciones privadas de Argentina, Chile y EEUU.
Fabiana Barreda (1967) es Licenciada en Psicología. Se especializó en Psicoanálisis, Artes Visuales y Filosofía. Desde 1990, se desempeña como artista plástica y crítica de arte, investigando en temas tales como el cuerpo, sus sistemas de representación en la religión, la escritura y la música y nuevas tendencias en arte contemporáneo. Actualmente, participa como jurado en importantes premios y concursos de arte contemporáneo (Metrovías, Deloitte, Mac Station, entre otros). Algunas de sus obras forman parte de colecciones institucionales como las del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; Fundación arteBA; New York University y Museo Castagnino (Rosario). Asimismo, en el ámbito académico, dirige la Galería de Arte de la Facultad de Psicología (UBA) y es Titular de Cátedra de la materia Psicología del Arte en la UNTREF y en el IUNA. Fabiana Barreda dicta diversos talleres de clínica de obra y se ha transformado en referente indiscutido para los jóvenes artistas contemporáneos.
Nació en Buenos Aires en 1978. Estudió en el Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA, asistió al taller y las clínicas de obra a cargo de Diana Aisenberg, y durante el 2003 ingresó al Programa de Talleres para las Artes Visuales del Centro Cultural Ricardo Rojas (UBA- Kuitca), 2003-2005. Participó de muestras individuales y colectivas en museos y galerías Argentinas y del resto del mundo y en bienales como la de Busan Corea y Cuenca Ecuador como envío argentino.
Nació en 1971 en Montpellier, Francia. Cursó parte de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido en la UBA y concurrió al taller de fotografía de Juan Travnik. Entre sus premios y becas se destacan: Premio Mejor Portfolio de los Encuentros Abiertos de Fotografía de Buenos Aires (2008 y 2000); Premio para Latinoamérica 2002 de la Fifty Crows International Fund for Documentary Photography, San Francisco, EEUU; Beca del Programa Trama, Fundación Espigas (2001); Subsidio a la Creación Artística de la Fundación Antorchas (2000) y Beca Nacional del Fondo Nacional de las Artes (2000). Su trabajo Salteños, un ensayo fotográfico sobre la cultura urbana de la ciudad de Salta fue expuesto en: Festival Internacional de Arte de Salisbury, Inglaterra (2007); Embajada Argentina en Londres, Reino Unido (2007); La Maison de la Radio, Paris (2004); Galería de arte Mamoré, Salta (2006); Museo de la Fotografía de Charleroi, Bélgica (2003); Fifty Crows Foundation ,San Francisco, EEUU (2002); Photo España 2001, Madrid; y Fotogalería del Teatro Gral. San Martín, Buenos Aires (2001). Entre 2004 y 2009, trabaja en otros nuevos ensayos fotográficos, entre ellos: Aproximación, ¿Dónde están los muertos? y Hogar. En paralelo, desde 1995 trabaja en cine en largometrajes tales como Medianeras, El pasado, El otro, Fantasma, El custodio, Familia rodante, Tres minutos, El bonaerense, La niña santa, La ciénaga y Ciudad de María. Asimismo ha realizado diversos trabajos de investigación histórica fotográfica. Su obra forma parte de las colecciones del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y Museo Castagnino+macro de Rosario.
Nació en la provincia de Buenos Aires, el 16 de marzo de 1971. Estudió Publicidad y Fotografía. Durante 10 años trabajó en agencias de publicidad. En 1999 deja las agencias para trabajar como fotógrafa publicitaria, realizando producciones para marcas nacionales e internacionales. Desde el 2002 hasta el 2004 trabajó en su serie Grandes Mujeres, retratos a mujeres de avanzada edad. En el año 2004 comienza a exhibir su obra personal en espacios culturales de Argentina y del exterior. Su segundo trabajo se dio a conocer en el año 2006, una serie de retratos a hermanos gemelos de todas las edades, Almas Gemelas. En el año 2008 Editorial Larivière edita su primer libro de fotos que contiene las dos series. Actualmente está en etapa de creación de su tercer proyecto: Lima, Km.100. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Guillermo Srodek-Hart nació en Buenos Aires, Argentina. Estudia en el School of the Museum of Fine Arts & Tufts University graduándose en el 2004 con un BFA, y cuatro años mas tarde consigue un Master (MFA) en Fotografía de Mass College of Art. Ha exhibido en localmente y en el exterior. En Argentina, en ArteBA 06’, 07’ y ’08, BAPhoto 07' y ’08, Festival de la Luz ’06, Galería 1/1 Caja de Arte, Laura Haber Fine Arts, en la Casa de la Cultura de Salta y en el Museo Mulazzi de Tres Arroyos entre otros. En el 2005 gana el 3er premio Fundación Klemm y en el 2006 el Premio Petrobras/BsAs Photo. Sus fotografías de altares y sesiones de la religión Umbanda son parte del libro Dueños de la Encrucijada, declarado de interés cultural por el gobierno de BsAs. Su obra también ha sido publicada en View Camera, Boston Globe, Wynwood Magazine, y numerosos catálogos. En el exterior, ha exhibido en el North Dakota State Art Museum, el Museum of Fine Arts, Boston, el Photographic Resource Center, el Attleboro Museum of Art, también en Diana Lowenstein Fine Arts, Miami, y tiene su primer solo show en Gallery Kayafas, Boston, en Septiembre de 2009. También ha participado del Toronto International Art ’06 & ’07, del Noorderlicht Photofestival ’07 en Groningen, Holanda, y en el Thessaloniki Photo Festival, Grecia ’08. En el 2008 fue elegido entre los 30 artistas jóvenes más prometedores en el libro 'Arte Contemporáneo Argentino, Artista X Artista.
(n.1968, Lomas de Zamora, Prov. de Buenos Aires) Algunos encuentros que me modificaron y consiguieron que siga haciendo lo que hago, 1988 Roberto Cignogni, 1991 Esteban Marco, 1993 Alberto Goldenstein, Ral Veroni y Rafael Cippollini, 1994 Hernán Nuñez y Andrés Jankowski, 1995 Reynaldo Jiménez, en este mismo año compartimos un viaje a Chascomús en absoluto silencio con Alan Courtis, más de 10 años después nos hablamos y estoy muy feliz que haya sucedido así, 1996 Marina Bandin, ¡1998 Lola Goldstein!, Gabriela Forcadell, ¡2000 Fernanda Laguna, Belleza y Felicidad!, ¡2003 Fernando Mariani y Médanos!, 2006 Don Carmelo junto a Nacho, Paulo, Veri y Victoria, en 2008, luego de mucha búsqueda conocí por fin a ¡Claudio Caldini! y un poco por él también a Andrés Di Tella con quienes estoy transitando una experiencia maravillosa. En 2009 nació Rosa pero eso es otro tema. En medio de tantos encuentros felices mostré mis fotografías en Centro Cultural Médanos, Belleza y Felicidad, Ruth Benzacar, C.C. Ricardo Rojas, C.C. Recoleta, Fundación Klemm, MALBA, MACRO, MAC Niteroi, Hogar Collection, MAC Santiago de Chile, Tosto, Canasta, MAMBA, Espacio Giesso, bares, casas de amigos, Planeta X, entre otros. También publicaron mis fotos Vestite y andate, Aguanegra, Purple, Purple Journal, Sede, i-D, Masterbox, Lápiz Japonés, Helen, Perro Andaluz. Trabajé en unos libros, de coleccionismo, de hoteles alojamiento, en uno de cocina también. Desde 1999 doy un taller de edición fotográfica en el C.C. Ricardo Rojas y también edité Hawaii y Otso, pequeñas ediciones de fotografías, música, dibujos, bordados, videos etc junto a Lola.
Hugo Aveta nace en Córdoba, ciudad en donde estudia cine y arquitectura, para luego dedicarse de lleno a la fotografía. Sus obras comienzan a exhibirse "Joven Generación" MNBA y publicarse "Fotografía Argentina Actual Dos" en los primeros años de la década de los noventa, y ya desde entonces encontramos en ellas a un artista movilizado por el paso del tiempo y su memoria. La II Bienal de arte del MERCOSUR lo incluye como participante y continua su carrera con diversas exhibiciones individuales y colectivas en las ciudades de Buenos Aires (MNBA, CC Recoleta, Alianza Francesa, MARC, MAMBA, Museo Sivori) Rosario (Museo Castanino, MACRO) Córdoba (Galería Martorelli Gasser, Museo Caraffa,) Santa fe, y en países como Bélgica, Brasil, Ecuador, Colombia, Venezuela y Guatemala. En su trabajo" Teatro Aveta ", realizado con la beca del Fondo Nacional de las Artes (año 2001), encontramos un tratamiento de las fotografías que no parece muy diferente de los mecanismos sutiles que rigen la memoria. El montaje de las imágenes, como los recuerdos superpuestos, delinea ambiguamente un universo de presencias que se entrecruzan. El primer premio de honor del Salón Nacional de Artes Visuales de la República Argentina llega en el año 2002 y con ”Espacios líquidos” recibe el premio regional OSDE 2005 En sus más recientes obras el devenir, el tiempo y los espacios adquieren un papel protagónico, cargadas de misteriosos plenos y vacíos, inquietan la mirada que descifra el adentro y el afuera, lo que existe y desaparece. Sus imágenes, muchas de ellas realizadas a partir de maquetas, nos proponen una mirada ante el tiempo. Su trabajo “Morfología de un vacío” recibe el primer premio nacional 2006 otorgado por la fundación OSDE. En noviembre del 2007 se le otorga el primer premio Petrobrás Buenos Aires Photo 2007 por su trabajo””Historias clínicas “ Ha participado de las ferias ARTEBA 2005, 2006 y 2007,2008, ARTEAMERICA MIAMI 2006, ARTEBO 2006, SUBASTA DE ARTE LATINOAMERICANA IKF 2008, "More Beef" from Argentina. « Museé de la Photographie de Charleroi », IContemporâneo 2ª Edição São Paulo, Subasta de arte EMA 2008, Buenos Aires Photo 2007, 2008. La colección de los museos MNBA y MAMBA de Bs. As, MACRO y Castagnino de Rosario, Caraffa de Córdoba y MOLAS de EEUU y colecciones privadas de Argentina, Brasil , EEUU, España y Francia poseen obra de su autoría. “Los recuerdos solo pueden cambiar el pasado menos interesante” una frase como tantas que guardo en mi memoria me lleva pensar en la obra de HA. La búsqueda de esos recuerdos que no son individuales, ni ajenos ni propios, sino nuestros, de todos. Desde ese lugar comienzo a transitar su obra, que me va llevando con su inocente imaginario melancólico a la niñez, para despertarme, inquietante, en un presente plagado de interrogantes que me convierten en cómplice agradecida de su obra. Sus espacios, en las maquetas, en la fotografías, contienen como un tiempo en estado puro, el deseo de controlar la muerte, no solamente de quienes los habitaron, sino también de sus formas materiales construidas por el hombre, esas que el tiempo en su devenir físico, va arrastrando irremediablemente hacia su desaparición Ellos, así, allí rescatados permanecen como escapados del proceso implacable de los calendarios de la historia. Sus impresiones, sus vestigios, tal como sucede en un cadáver, subsisten para evocar ese recuerdo que esquiva la muerte. Sus huellas, sus borraduras se convierten en ese paisaje que surge frente a nuestro presente como recuerdo del paso del tiempo y como experiencia de una duración que se hermana con la nostalgia subjetiva de nuestra mirada. Así, en sus fotografías, el pasado puede ser atrapado sólo como una imagen cuando puede ser reconocido por uno, y nunca más puede verse igual porque desaparece en su misma esencia del pasar frente a nosotros que lo recreamos infinita y finitamente en nuestros ojos. Lucia Jàcamo
Ignacio Iasparra nació en la ciudad de 25 de Mayo, provincia de Buenos Aires, en 1973. Curso estudios de fotografía y arte contemporáneo. Desde 1996 expone sus fotografías. Ha participado en numerosas muestras colectivas en Argentina y en el exterior. Sus trabajos han sido publicados en diferentes catálogos de fotografía contemporánea, la revista BIG Buenos Aires, los libros Rutas y Caminos, Nueva Fotografía Latinoamericana II, Fotografía Poética, Arte Contemporáneo Argentino Artista x Artista. En 2005, fue elegido como Fotógrafo del Año por la Asociación de Críticos de Arte de Argentina. Su obra integra la colección del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) y del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA).
(n. 1973, Provincia de Corrientes, Argentina) Se formó en los talleres de pintura de Ahuva Szlimowicz y de fotografía de Alejandro Kuropatwa, Martín Weber (1997-99), Alberto Goldenstein, Fabiana Barreda y Nacho Iasparra (2003-04). Integró el Programa Intercampos I, Fundación Telefónica, Buenos Aires (2005) y el Taller con Pablo Vargas Lugo, Malba-Jumex (2004). Obtuvo el Primer Premio en el Salón Nacional de Rosario, Museo Castagnino (2007), el Segundo Premio Fotografía y Ciencia, Centro Cultural Recoleta (2006) y fue seleccionado en el II Premio Petrobras ArteBA (2005). Realizó las muestras individuales: Consecuencia de puntos, Museo de Arquitectura de Buenos Aires MARQ (2007), Piezas únicas, Galería Ernesto Catena y Mecanismos, Fotogalería Centro Cultural Ricardo Rojas (2004). Participó en diversas muestras colectivas y ferias internacionales: El futuro ya no es lo que era, Fundación OSDE (2009); A.A.M.C. Museo Caraffa, Córdoba; Premio Roggio, Fundación Deloitte, Argentina; Artistas Argentinos, Galería Moro, Santiago de Chile (2008); Modernidad extraviada, Alianza Francesa, Buenos Aires; Fantasmas en la máquina, Galería dpm, Guayaquil, Ecuador (2007); Maco 2007, Galería Dabbah Torrejón, Ciudad de México; Galería Burodijkstra Art Gallery, Rotterdam; 15 x 15, Galería Praxis, Miami (2006); Panoramix 05, Fundación Proa; Salón Chandon, Museo de Arte Contemporáneo de Salta; III Salón de Arte Fundación OSDE; Buenos Aires Photo, Galería Dabbah Torrejón; Bienal de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca (2005), entre otras. Obra Mis fotos surgen de la necesidad de establecer una relación compleja con la idea y la técnica, fotografiando elementos comunes y no tanto para llevarlos a un lugar totalmente pedestalico, trabajando la imagen en la necesidad que la serie lo requiera. La observación es una acción que forma parte de la idea para con la foto, la forma y el espacio en que se encuentren también lo son. Cada grupo de fotos logra tener esa individualidad que me gusta y a la ves tienen esa conexión unas con otras .Si hay algo que me llama la atención es el volumen, la forma, espacio físico, la anatomía que poseen cada una de los objetos que fotografío. El proceso que las imágenes desarrollan es el que intento poner en cuestión, esa naturaleza plena a través de estrategias tácticas y conceptuales como de creer que en las tomas fotográfica. Jorge Miño
Cuenta con exposiciones en diversos países, destacando las individuales: (2008) Boltax Gallery, New York; (2007) Galería 713, Bs. As; (2006) La Casona de Los Olivera, Bs. As; (2003) Bearspace, Londres; (1999) C. C. Recoleta Bs. As. Entre las exhibiciones grupales se destacan: (2009) Museo Genaro de Córdoba; Salón La Capital de Rosario; (2008) ArteBA 2008, Galería Vasari; Desplazamientos y Fusiones, Centro Recoleta, Bs. As; (2007) Buenos Aires Foto¬; Pintura y Fotografía, Complejo Cultural Santa Cruz; Bienal SIART, La Paz, Bolivia; Videoarte, Galería Florencia Loewenthal, Chile; Festival de video Loop de Barcelona; En Construcción, Museo de Arquitectura de Buenos Aires; Madame Lillie’s, Londres. (2006) 2SAR06 Segunda Semana del Arte en Rosario, MACRO; (2004) Estudio Abierto, Palacio Barolo; Art.edits, Bangalore, India; Gallery 32, Londres; Café Gallery Projects, Londres. Participa de residencias de arte como (2007) Kiosko, Santa Cruz de la Sierra, Bolivia; (2007) Het Wilde Weten, Rótterdam, Holanda; (2005) Atlantic Center for the Arts (ACA), Daytona, EEUU; (2003) Khoj, Bangalore, India; Comhla, North Uist, Escocia. Junto a su trabajo artístico trabaja en proyectos de gestión cultural, teoría y crítica. Co-fundadora y organizadora del proyecto de residencia RIAA (Residencia Internacional de Artistas en Argentina) desde el 2006. Co-fundadora del proyecto Nexar, colaborando con intercambios como el “Austin Argentina Exchange” (2008) y “Austin-Argentina Residency” (2009) junto con la Universidad de Texas y el Creative Reserach Lab de Austin, EEUU. Es miembro del espacio de talleres “Portela 164”, gestionando distintos proyectos conjuntos. Colabora con distintas publicaciones y ha trabajado en docencia e investigación en varias instituciones. Cuenta con un PhD en Arte y Comunicación (1999-2002 University of Westminster, School of Media, Art & Design), MA in Fine Art (1996-97 Chelsea College of Art & Design), y un Profesorado de dibujo y pintura (1990-1994 Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires). Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina.
Buenos Aires, 1969. Exhibe sus trabajos personales por primera vez en 1989 y desde entonces participa de numerosas exposiciones. Estudia cine en el Instituto de Arte Cinematográfico de Avellaneda. Trabaja como fotógrafa para medios gráficos desde 1992. Asiste al taller de Visión Fotográfica de Alberto Goldenstein (1990-1992) y de Arte Contemporáneo de Fabiana Barreda (1999-2002). Becaria del programa para las Artes Visuales Rojas/Kuitca 2003-2005 durante el cual publica Temporada, un libro de retratos de los integrantes de la misma. Forma parte del programa Intercampos II (2006) en la Fundación Telefónica. En el 2007 participa en RIAA, Residencia Internacional de Artistas en Argentina y es seleccionada en el premio ArteBA- Petrobras 07 con el proyecto Entrevista.
Formada en fotografía y artes, completa sus estudios en la Universidad del Cine en 1998. Es autora de series fotográficas, audiovisuales y cortometrajes; y desde sus comienzos se vio involucrada en el retrato de dinámicas no enajenadas. Exhibe extensamente desde 2000 y entre las mas recientes figuran: Gallery TPW, Toronto; y Plume Galerie, Paris 2008; DIAGONALE Galerie, Montreal 2005 y 2006; Salón Nacional de Artes Visuales 2007 y Premio Fundación Lebensohn 2007, Mención Especial del Jurado en ambos. Recibió la Beca del Consejo de Artes de Québec para concretar su residencia artística en Montreal en 2006; la Beca del Ministerio de Cultura de la Nación; y el premio a la fotografía Francisco Ayerza otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes en 2003. Hoy continua la realización de la serie de videos Bodas, en la que ha regresado al uso de la imagen en movimiento para retratar diferentes procesos que no tienen una causa final. Vive y trabaja tanto en la ciudad de Buenos Aires, como en el partido de General Viamonte, Pcia. de Buenos Aires. LA REPETICIÓN Y LA MUERTE “Sólo lo no idéntico está exento de morir”. Macedonio Fernández ¿Qué procedimiento es éste de repetir una y otra vez la escena de la muerte propia? Parezca lo que parezca, no tiene -a mi entender- nada de escatológico, ni de tanático. Más bien todo lo contrario. Piénsese sino en el mecanismo de la repetición: Toda repetición supone una diferencia, toda reiteración implica la introducción de una novedad. Se repite, por caso, once veces el tañido de las campanas de una iglesia. Pero por mucho que se asemeje a los anteriores, cada repiqueteo -y el último sobre todo- hace la diferencia. Por mucho que se parezca a las demás, es la onceava reiteración y sólo ella la que, digamos, nos llama a misa. La mera repetición produce allí algo. Le repito a alguien tres veces la misma palabra. Le digo: “¡Basta! ¡Basta! ¡Basta!”. Aún si a conciencia empleo idéntico tono, aún si en cada caso pronuncio de igual manera, al repetirla y con sólo repetirla he generado algo extraño. He agregado una fuerza, una insistencia que no estaba en ninguna de las exclamaciones reiteradas. Y esa es la paradoja: No es tanto lo que la repetición requiere de la identidad y de lo viejo, como lo que crea de nuevo y de alteridad. De allí el extraño efecto que provoca cuando se la aplica a algo como la muerte: Introduce el cambio y la diferencia, en lo que es irremisible indistinción y permanencia. ¿Dónde sino aquí se cumple entonces aquello que sostenía Federico Nietzsche? “Tenemos el arte para no morir de la verdad.” Florencio Noceti- 12na #006, La serie de las mil muertes/Rosana Simonassi. ASUNTOIMPRESO La Marca Ediciones, Buenos Aires 2007.
Simón Altkorn Monti nació en Montevideo. Trabaja y vive en Buenos Aires. Se recibió de Economista en la Universidad de Buenos Aires. Estudió Dirección y Guión Cinematográfico con Simón Feldman. Realizó diversas clínicas de seguimiento de obra y talleres de perfeccionamiento en fotografía con Juan Travnik, Gabriel Valansi y Rodolfo Lozano. Realizó estudios de iluminación en la Escuela de Fotografía Motivarte y de post producción digital con Gabriel Rud. Realizó cursos de extensión sobre Fotografía y Arte, y Arte Contemporáneo con Valeria González. Obtuvo el Primer Premio Adquisición en 2007 en el XCVI Salón Nacional de Artes Visuales, en la sección de Fotografía. Obtuvo mención de honor del Jurado en 2008 en el 4to. Salón Nacional de Artes Visuales de Cipolletti. Obtuvo mención del Jurado en 2009 en la Bienal Nacional de Arte de Bahía Blanca, exhibiendo en el Museo de Arte Contemporáneo. Fue seleccionado en 2008 para exhibir en el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Caraffa - Premio Centenario Roggio de Artes Visuales. Fue seleccionado en 2008 para exhibir en el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Caraffa - Premio AAMC de Fotografía Contemporánea. Fue seleccionado en 2008 para exhibir en la Fundación Federico Klemm, con motivo del XII Premio Federico Klemm a las Artes Visuales, estando pendiente la etapa de premiación. Fue seleccionado en 2008 para exhibir en el Salón de Arte Premio Platt. Fue seleccionado en 2008 para exhibir en el Centro Cultural Recoleta, con motivo del Concurso Deloitte de Fotografía Contemporánea. Fue seleccionado en 2007 para exhibir en la Fundación Federico Klemm. Fue seleccionado en el año 2006 para exhibir en el XCV Salón Nacional de Artes Visuales. Me gusta contar historias. Muchos de nosotros crecimos escuchándolas, seduciéndonos con desarrollos misteriosos y finales inimaginables. Este es un rasgo universal que apenas cambia entre las diversas culturas. Lamentablemente, la tecnificación de lo cotidiano hace que perdamos la capacidad de recrear espacios y tiempos distintos, insertos en un creciente bombardeo de información superficial que narcotiza aquellas conductas básicas. Trato de que mi obra esté fuertemente vinculada con sueños y obsesiones, deseos e imaginarios, y así poder materializar a través del acto fotográfico, mis sentimientos y mi forma de ver el mundo. Me gustaría explicar algo de esto, haciendo referencias concretas a algunos de los trabajos que aquí se presentan. Soy de los que piensa que la genialidad no es necesariamente aliada del bien. Este es el caso de personajes como Hans Globke, eminente jurista alemán, (que aparece en una fotografía en su fiestita de cumpleaños), quién concibió el espíritu de las Leyes de Nürenberg de 1935 que discriminaban y quitaban los derechos ciudadanos a los judíos alemanes. Otro caso es el de los Albert Speer, padre e hijo, que han tenido en común, entre otras cosas, el haber diseñado proyectos arquitectónicos esplendorosos para las Olimpíadas de 1936 en Berlín y 2008 en Beijing (Lo tenemos en una de las fotos, todavía pequeño, jugando con sus armas de guerra). En esas y en otras de mis imágenes trato de recrear climas históricos, a veces con reminiscencias románticas, con personajes que se debaten entre la luz y la sombra, en una pelea eterna y continua. Además, creo que es imposible imaginar a la fotografía sin sus vínculos primarios con otras disciplinas visuales: en mí caso, trato de tender un puente con lo pictórico y lo cinematográfico, con la presunción de que muchas veces quedan casi desdibujados los límites entre ellas. Volviendo al principio, a mí la fotografía, como una tremenda pulsión, me hace soñar todos los días y me permite, a través del relato de estas y de otras historias, vincularme estrechamente con mis afectos y realidades. En definitiva, tal como dice un personaje de Terencio: “Nada de lo humano me es ajeno”.
